Il lavoro di Davide si distingue per uno stile personale e riconoscibile, caratterizzato da immagini oniriche e simboliche. Le sue opere non si limitano a riprodurre visioni fantastiche, ma danno forma a un universo interiore complesso, dove suggestioni individuali e riferimenti culturali si intrecciano in composizioni dense di significati.

Da oltre trent’anni affianca alla ricerca artistica un’attività costante nel campo della decorazione, lavorando a stretto contatto con il padre Edoardo, maestro artigiano di grande esperienza. Le sue creazioni nascono dall’incontro tra tradizione e innovazione: tecniche artigianali si fondono con materiali contemporanei e soluzioni avanzate, dando vita a opere che non si limitano a decorare, ma che conferiscono carattere e identità agli ambienti.

Ogni progetto riflette chi lo ha immaginato, trasformando lo spazio in un’esperienza unica, elegante e funzionale. Così la visione dell’artista diventa segno concreto, capace di parlare senza bisogno di parole e di rendere ogni ambiente riconoscibile e duraturo.

Fernando Frizziero pittore Chioggia

Fernando Frizziero, detto Nando, è nato a Chioggia il 10 gennaio 1927. Si è sposato con Mariuccia Varisco e ha avuto due figli, Luisa ed Enrico.

Ha lavorato per 36 anni presso l’Esattoria della Cassa di Risparmio di Venezia, sezione di Chioggia, cominciando a 17 anni come commesso ed è andato in pensione nel 1980 come vice direttore dello stesso istituto.

Ha coltivato da sempre la passione per la pittura, in totale isolamento, venendo allo scoperto solo dopo il pensionamento. Ispirato alle opere di Luigi Pagan, ha proposto fra gli anni ’80 e ’90 opere di buona fattura, frutto di un lungo lavoro e di uno studio paziente del colore, esponendo più volte presso lo Studio G5 di Chioggia.

Nando Frizziero è morto, novantenne, il 15 maggio 2018 e il figlio Enrico conserva una gran quantità di opere paterne.

Claudio Varisco è un artista originario di Chioggia, dove vive e lavora conciliando la sua attività professionale di infermiere in terapia intensiva con una profonda passione per il disegno e la pittura. Fin dai primi anni ’90, ha intrapreso un percorso artistico da autodidatta, distinguendosi per la precisione tecnica e l’espressività dei suoi disegni in bianco e nero.

Negli anni, ha trovato nell’acquerello la sua forma espressiva prediletta. Affascinato dalla complessità e dalla leggerezza di questa tecnica, ha affinato il suo stile partecipando a sessioni formative con artisti di fama internazionale come Alberto Bassani, Carlo Novo e Didier Brot.

Le sue opere spaziano dal ritratto al paesaggio, con una particolare predilezione per le scene veneziane e l’omaggio ai grandi maestri del passato. Ogni dipinto è il frutto di una profonda ricerca emotiva, come lui stesso afferma:

“L’acquerello è forse la tecnica più difficile e quella che mi affascina di più. Mi dà la possibilità di evadere dalla quotidianità lavorativa e di trasportare su carta le sensazioni e i sentimenti che derivano dalla realtà che mi circonda o da un’opera di artisti che apprezzo e stimo.”

Claudio Varisco è membro attivo dell’Associazione Acquarellista Onda Creativa e partecipa regolarmente a mostre e concorsi in ambito regionale. Tra le sue esposizioni più significative si ricordano Walking Chioggia (2021) e le mostre personali presso la Galleria d’Arte G1 di Chioggia (2022 e 2023).

Giuliano Ottaviani: il Maestro europeo tra arte, passione e impegno sociale

Nato a Foligno (Perugia), Giuliano Ottaviani è un artista poliedrico che ha attraversato i confini italiani ed europei per portare ovunque la sua visione creativa. Fin da giovane si distingue per la sua predisposizione alle arti applicate, qualità che lo conduce alla Scuola d’Arte di Perugia e successivamente al diploma all’Accademia di Brera a Milano, sotto la guida del Maestro Domenico Purificato.

A soli 17 anni inaugura la sua prima mostra personale a Milano, per poi espandere la sua attività tra Italia e Svizzera, collaborando con galleristi di rilievo come Her Bolag. La sua carriera decolla rapidamente, con riconoscimenti internazionali come la Medaglia d’Oro dell’Accademia Arti, Scienze e Lettere di Parigi, e mostre in capitali europee come Zurigo, Parigi, Colonia, Lione, Cannes, Nizza, ma anche in America (New York, Chicago, Los Angeles) e in Cina, dove diventa il primo italiano ad esporre in permanenza una scultura monumentale a Changchun.

Ottaviani non è solo pittore e scultore: il suo talento si esprime anche nel design, nella gioielleria, nell’arredo urbano e nella performance artistica. In particolare, ha saputo fondere musica e pittura nella performance “Simbiosi in Concerto”, presentata al Fermilab di Chicago.

La sua attenzione al sociale lo ha portato in Brasile, dove ha fondato l’Accademia Ottaviani per insegnare scultura ai ragazzi di strada. La sua opera ha lasciato tracce anche in ambito filatelico, numismatico e istituzionale: nel 1991, il Presidente della Repubblica Francesco Cossiga gli conferisce l’Onorificenza al Merito di Cavaliere della Repubblica Italiana.

Artista visionario, viaggiatore instancabile, maestro generoso: Giuliano Ottaviani è un simbolo dell’arte italiana nel mondo.

Bruno Ezio Caraceni (1927 – 1986): Un Artista tra Materia e Geometria

Bruno Ezio Caraceni è stato un artista italiano che ha lasciato un segno indelebile nel mondo dell’arte contemporanea. Partecipò a ben tre edizioni della prestigiosa Biennale di Venezia (1956, 1958, 1968), dimostrando il suo talento e la sua innovazione.

Dopo aver studiato all’Accademia di Venezia, Caraceni si trasferì a Roma, nel cuore pulsante della vita artistica e intellettuale della capitale, in via Margutta. Qui, si ispirò alla ricerca di Alberto Burri, uno dei grandi maestri dell’arte informale.

L’Invenzione più Convincente: I Fili Metallici

Nel 1959, Caraceni fece un salto creativo introducendo fili metallici fissati su chiodi nei suoi pannelli. Questa tecnica innovativa creava un tessuto spaziale unico, con geometrie raffinate che si stagliavano su fondi bianchi. Le sue opere diventarono così un’esplorazione dell’impercettibile, richiedendo una fruizione contemplativa, sia mentale che visiva.

Il Percorso Artistico di Caraceni

• Scherzi: Le prime opere di Caraceni furono influenzate da maestri come Mirò, Klee e Picasso. Caratterizzate da una linea calligrafica e fluente, queste opere erano un gioco di forme e colori.
• Plastiche: Caraceni iniziò a utilizzare materiali plastici come il cellophane, fusi e incollati sulla tela. Questo creava un effetto materico e informale, con bolle e texture che catturavano l’attenzione.
• Gesti: In questa fase, Caraceni passò a una pulizia formale, usando fili metallici e chiodi su supporti bianchi. Le sue opere diventarono una trama a rete, con un equilibrio perfetto tra struttura e spazio.
• Mappe: Le opere di questo periodo alludevano a territori e insediamenti umani, con una struttura labirintica che invitava lo spettatore a perdersi e ritrovarsi.
• Strutture-labirinto: Qui, Caraceni sviluppò le sue Mappe in tre dimensioni, utilizzando elementi industriali di plastica per creare opere che sfidavano la percezione.
• Multipli: In questa fase, Caraceni creò opere seriali che riprendevano il segno senza fine degli Scherzi, con una pulizia formale e cromatica che ricordava la ripetizione e la variazione.
• Geometrici: I lavori di questo periodo si avvicinarono all’Optical Art, con ambiguità percettive tra figura e sfondo, superficie e rilievo, linea e colore.
• Un’Artista da Scoprire
  Bruno Ezio Caraceni è stato un artista che ha saputo unire materia e geometria, creando opere che sfidano la percezione e invitano alla contemplazione. La sua ricerca artistica, spesso sottovalutata, merita di essere riscoperta e apprezzata per la sua originalità e profondità.

Se sei un appassionato d’arte o semplicemente curioso, le opere di Caraceni ti porteranno in un viaggio attraverso forme, colori e strutture che ti lasceranno senza fiato.

Gianni Dall’Olio poeta, pittore e scrittore di poesie e fiabe

Introduzione
Gianni Dall’Olio, poeta, pittore e scrittore di poesie e fiabe, è un autore appassionato che ha dedicato gran parte della sua vita all’arte, distinguendosi con versi che toccano il cuore, fiabe che incantano i lettori di ogni età e quadri ispirati ai grandi maestri della pittura.

Nato l’8 novembre 1949 a Traversetolo (PR), Gianni Dall’Olio ha iniziato a scrivere all’età di 8 anni, componendo la sua prima poesia intitolata “La Capra”. Dopo una lunga pausa creativa, ha ripreso a scrivere poesie nel 2004. Dal 2003, si dedica anche alla scrittura di testi per canzoni e di racconti fiabeschi, con i quali trasporta i lettori in mondi immaginari, pieni di sensibilità e poesia. Il suo esordio ufficiale come poeta risale al 2004 con una serie di componimenti in vari stili, tra cui il vernacolo e l’haiku.

Ha partecipato a vari concorsi letterari, come il 13° concorso nazionale “Violetta di Soragna” nel 2005, dove ottiene una menzione d’onore, e il 3° concorso “Ricordando un amico”, dove ha ricevuto un premio speciale per una poesia d’amore.

Nonostante il successo, Gianni mantiene un profondo legame con la scrittura tradizionale. Non è attratto dalla tecnologia e preferisce scrivere di suo pugno, trovando nella scrittura manuale un’estensione diretta del suo pensiero e della sua anima.

Oltre alla scrittura, Gianni è anche un pittore, ispirato dai grandi maestri della pittura, come Pablo Picasso, per creare opere visive che esprimono il suo spirito artistico. La pittura gli offre un canale alternativo per esplorare la creatività e comunicare emozioni e idee attraverso colori e forme uniche, che riflettono la sua personale visione artistica.

Gianni Dall’Olio, poeta e scrittore di poesie e fiabe, ha inoltre una vena creativa che si esprime nel campo della fantascienza. Le sue opere fantascientifiche offrono uno sguardo visionario sul futuro, mescolando elementi di introspezione con l’avventura e l’ignoto. Attraverso i suoi racconti, Gianni esplora temi complessi come l’evoluzione umana e la natura dell’universo, mantenendo un’impronta poetica e un profondo legame con l’animo umano.

Mentre

Acque imporporate
a ponente
tra pennellate
del bianco delle vele
di barche;

la prima vedetta

eroica –
sfida l’ultimo sguardo
del giorno,
e, silenziosa quiete
è di pochi istanti.

POESIE

DIPINTI FILOSOFICI

Il Valore del Dubbio: Una Riflessione Artistica

Opera di Gianni Dall’Olio, 2024

Nell’opera “Del Dubbio”, l’artista ci invita a meditare sulla potenza paradossale dell’incertezza attraverso un vivace dialogo tra colori decisi e forme enigmatiche. La figura blu, col suo sguardo penetrante e il cappello rosso, sembra incarnare proprio quell’inquietudine necessaria alla conoscenza autentica, mentre galleggia in uno spazio giallo vibrante di possibilità.

Al centro dell’opera campeggia l’illuminante aforisma di Francis Bacon (1561-1626):

“Se un uomo parte da certezze, terminerà con i dubbi; ma se si contenta di cominciare con dubbi, terminerà con certezze.”

Questa riflessione, resa in caratteri decisi direttamente sulla tela, diventa parte integrante della composizione e ci ricorda come il percorso della conoscenza spesso proceda per vie inaspettate.

In un’epoca in cui celebriamo la festa dell’apostolo Tommaso, il quadro ci invita a rivalutare il dubbio non come debolezza, ma come prezioso strumento di ricerca. Come Tommaso che chiese di toccare le ferite di Cristo prima di credere, così anche noi possiamo riconoscere nel dubitare un atto di onestà intellettuale. Gesù stesso, pur lodando la fede incondizionata, concesse al discepolo la possibilità di verificare, di interrogare, di dubitare.

Certo, il dubbio porta con sé dei rischi: può generare inerzia, scetticismo sterile, ansia esistenziale. Ma come suggeriscono i contrasti cromatici nell’opera – il blu profondo contro il giallo luminoso, i tocchi di rosso vibrante – è proprio nella tensione tra opposti che nasce la comprensione più autentica.

I diamanti rossi che punteggiano la composizione sembrano rappresentare quelle certezze che emergono dalla nebbia del dubbio, preziose proprio perché conquistate attraverso l’interrogazione continua.

Montaigne, contemporaneo di Bacon, osservava che “il molto sapere porta l’occasione di più dubitare”. La figura dell’opera, con il suo atteggiamento pensoso e quasi sornione, sembra incarnare questa saggezza: chi possiede una conoscenza profonda riconosce la complessità del reale ed evita l’arroganza di chi crede di possedere l’intera verità.

Nel nostro tempo, dove spesso si confonde la sicurezza del tono con la validità dell’argomento, dove il volume della voce sostituisce la profondità del pensiero, l’opera di Gianni ci ricorda il valore di un sano dubbio, di una pausa riflessiva, di un’esitazione rispettosa.

L’audace semplicità stilistica del dipinto, che unisce elementi naïf a una profonda riflessione filosofica, ci mostra come anche nell’arte, come nella conoscenza, sia necessario attraversare l’incertezza per giungere a una espressione autentica. Un invito visivo a riscoprire, nelle nostre vite frenetiche e sovraccariche di informazioni, il valore trasformativo del dubbio come principio di saggezza.

“Del Dubbio” fa parte della serie “Riflessioni Filosofiche” dell’artista Gianni Dall’OliO, in cui parola e immagine si fondono per evocare stati di coscienza e interrogativi esistenziali.

Ha pubblicato la sua prima raccolta di poesie nel 1958.

Ha vinto il premio Lerici-Pea nel 1959. La commissione giudicatrice, composta da Giovan Battista Angioletti, Giacomo De- benedetti e Alfredo Schiaffini ha espresso il seguente giudizio: «Si riconosce un attimo che non pretende all’eccezionalità, e non di meno è scoccato con il privilegio di isolarsi e di rimanere come attimo di poesia. Parole e suoni sono di un materiale leggero: prima che essi abbiano sollecitato il nostro orecchio, lusingato la nostra intelligenza, quell’attimo si è già fissato nella nostra memoria».

Nel 1963 con la raccolta di poesie Erba avara Ed. Rebellato, illustrato da Tono Zancanaro, è entrata nella rosa dei finalisti del premio Cervia.

Ha collaborato per dieci anni alla rivista «Il sestante letterario» diretta da Corrado Govoni.

Mi chiamo Luciano Zinnamosca e sono nato nel 1947, nella provincia di Treviso. Attualmente vivo e lavoro a Verona, una città che ho imparato ad amare e in cui ho trovato il mio spazio creativo.

La mia formazione in architettura ha avuto inizio all’Istituto Universitario di Architettura di Venezia, dove mi sono laureato nel 1972. Da allora, la mia vita professionale è stata un viaggio costante nell’esplorazione dello spazio e della forma. Dal 1974 pratico la libera professione, dedicandomi alla progettazione architettonica. I miei progetti spaziano dalle abitazioni private ai grandi edifici di interesse collettivo, dalle piazze ai giardini, sempre con uno sguardo attento al restauro e alla cura degli interni.

Nel 1990, la mia curiosità e il desiderio di approfondire nuove prospettive mi hanno portato a esplorare il mondo della Bioarchitettura e del Feng Shui. Questa svolta ha arricchito il mio approccio progettuale, inserendo una forte enfasi sull’uso delle energie rinnovabili e sulla riduzione dei consumi energetici. Nel tempo, ho affinato tecniche di riequilibrio e armonizzazione degli spazi, scoprendo quanto la qualità degli ambienti influenzi il benessere fisico e spirituale delle persone.

A partire dal 1989, la progettazione di alberghi e centri benessere è diventata una parte predominante del mio lavoro. In questi progetti, ho sempre cercato di creare spazi che promuovano il benessere, convinto che la serenità di una persona dipenda significativamente dall’ambiente che lo circonda.

La mia passione per la scultura risale agli anni del liceo. Ho esplorato la creta e altri materiali plastici, realizzando opere che, col tempo, sono state trasformate in bronzo. Recentemente, alcune di queste opere sono state esposte in diverse gallerie, un riconoscimento che mi ha riempito di orgoglio.

Negli ultimi anni, mi sono dedicato anche all’arte fotografica, sviluppando un interesse particolare per le “foto-fusioni”, un processo creativo in cui sovrappongo immagini digitali per esplorare nuove forme espressive.

Credo fermamente che l’architettura, come ogni forma d’arte, non sia semplicemente una professione, ma un modo per cercare armonia, estasi e pace. Questa ricerca non è mai un fine a sé stessa, ma un mezzo attraverso il quale aspirare a “essere” nel vero senso della parola.

Le sculture in legno sono una forma d’arte che affonda le sue radici nel profondo della storia dell’umanità, fungendo da ponte tra l’uomo e la natura. Ogni pezzo di legno, con le sue venature e la sua tessitura, porta con sé il respiro della terra e la vita dell’albero da cui proviene. L’arte della scultura lignea si trasforma così in un dialogo silenzioso tra l’artigiano e la materia, un dialogo che richiede pazienza, rispetto e un profondo senso di intimità con il medium stesso.

Attraverso l’uso di scalpelli, sgorbie e altri attrezzi, le mani esperte di uno scultore trasfigurano blocchi grezzi in opere che possono esprimere movimento, emozione, e una bellezza che sfida il tempo. Ogni scultura in legno è un’unica testimonianza della visione dell’artista e della storia incisa nel cuore del legno. Questa arte non è solo una dimostrazione di abilità tecnica ma è anche un atto di profonda devozione alla conservazione delle tradizioni artigianali, portando la natura stessa a nuova vita attraverso forme, figure e narrazioni scolpite per l’eternità.

Luca Boscolo Stornellon è nato a Chioggia nel 1968. Fin da giovane ha mostrato una forte passione e talento per l’arte. Nel 1990 si è diplomato al Liceo Artistico di Venezia, dove ha avuto l’opportunità di sviluppare le sue abilità tecniche e creative.

Successivamente, ha frequentato l’Accademia di Belle Arti di Venezia, un ambiente stimolante e ricco di influenze internazionali che hanno contribuito a plasmare il suo stile unico. Durante questo periodo, è entrato in contatto con maestri di fama mondiale, apprendendo da loro tecniche e approcci innovativi.

La sua carriera artistica è iniziata fin da giovanissimo, con la partecipazione a numerose mostre collettive e personali in tutta Italia. L’artista espone costantemente le sue opere in due studi, uno a Chioggia e uno a Venezia, alternando la sua presenza tra questi due importanti centri artistici.

Nel corso degli anni, Boscolo Stornellon ha esposto in prestigiose gallerie e rassegne, tra cui lo studio G5 a Chioggia, la galleria di San Tomà a Venezia, la Fondazione Bevilacqua La Masa a Venezia e Castel Gomberto di Vicenza. Nel 2018, è stato inoltre presente alla rinomata Arte Fiera di Padova.

Instancabile nella sua ricerca artistica, l’artista ha esplorato un’ampia gamma di generi pittorici, spaziando dal vedutismo all’astrattismo, con una particolare attenzione all’utilizzo di diversi mezzi espressivi, come disegno, olio, acquerello e incisione. La sua opera è fortemente influenzata dai grandi maestri del passato, da Caravaggio a Dalí, reinterpretati in una chiave assolutamente personale e innovativa, che lo avvicina al Surrealismo e all’Astrattismo.

Attraverso la sua produzione artistica, Boscolo Stornellon si è affermato come una voce originale e distintiva nel panorama artistico italiano, offrendo al pubblico un’esperienza visiva unica e coinvolgente.