Viviamo in un’epoca visivamente satolla: ogni giorno siamo immersi in immagini belle, perfette, curate. Sui social, nelle gallerie, nelle fiere. Ma c’è una domanda che mi torna spesso alla mente, come un tarlo:
“Questa opera è arte… o solo decorazione?”

Non è una provocazione snob. Anzi, è un interrogativo sincero che nasce da una mia esigenza personale: quella di riconoscere, distinguere, capire dove si trovi il confine — o forse il varco — tra lo stile e l’Arte.

Lo stile, l’estetica, il linguaggio formale… sono importanti. Sono strumenti. Ma se non sono sostenuti da una necessità espressiva, da un’urgenza interiore, da una verità, rischiano di essere solo superficie: immagini piacevoli, magari tecnicamente impeccabili, ma vuote.

Ricordo una mostra che visitai nel 2024 a Trieste, “Un mare di carta”: le opere erano splendide, perfettamente composte, con cromie seducenti e forme accattivanti. Ma non provai nulla. Nessun movimento interno, nessun attrito. Era tutto così “giusto” da risultare, paradossalmente, insignificante.
Tuttavia, apprezzai il gesto stilistico e mi resi conto che, pur trattandosi originariamente di pubblicità, il tempo le aveva caricate di una forza evocativa capace di rimandare a epoche passate.

Non voglio sminuire l’aspetto decorativo. Anche la decorazione ha una sua dignità e utilità. Può abbellire un luogo, creare armonia, trasmettere leggerezza. Ma l’arte, quando è davvero tale, fa qualcos’altro: entra, destabilizza, apre.

Per questo quando guardo — o creo — qualcosa, mi pongo sempre la stessa domanda:
“Questo lavoro è solo bello?”
Se è necessario, anche se imperfetto, anche se scomodo, allora vale.
Altrimenti, è solo un’illusione lucida. E alla lunga, dimenticabile.

Un’esperienza personale: quando un quadro ti attraversa.

C’è un momento, nella vita di chi crea, in cui l’atto artistico smette di essere solo espressione e diventa trasformazione. Non una vetrina, non un esercizio di stile, ma una frattura profonda. Una soglia.

Mi chiedo spesso cosa rende davvero “arte” un’opera. Non basta la tecnica. Non basta nemmeno l’originalità. Quello che cerco, e riconosco, è un gesto creativo che lascia un segno dentro, che modifica la percezione, che apre spazi nuovi — non necessariamente dolorosi — anche se non immediatamente comprensibili.

In quel gesto c’è un’urgenza. Una necessità. È qualcosa che accade prima ancora di pensare all’osservatore, al pubblico, al mercato. È un movimento interiore, spesso fragile, che però ha la forza di cambiare chi lo compie. Ed è da lì, secondo me, che nasce l’arte autentica: non tanto da ciò che mostra, ma da ciò che smuove.

Non parlo solo di grandi capolavori. A volte basta una linea, una parola, un gesto. Ho visto opere umili e silenziose avere un impatto più profondo di mille immagini spettacolari. E non perché “belle”, ma perché sincere.

Un giorno di alcuni anni fa, mi trovavo a Villa Pisani, nella Riviera del Brenta. C’era una mostra di pittori veneti dell’Ottocento. Mi colpì un quadro che ritraeva due donne all’imbrunire, mentre rientravano verso la loro fattoria con una mucca e un carretto al traino. Una scena di vita quotidiana per l’epoca. Eppure io ne rimasi ipnotizzato, non riuscivo a staccarmi da quel dipinto. Provai tutte le sensazioni della fatica, del sudore dopo una giornata nei campi. Sentivo l’odore della campagna e l’umidità dell’imbrunire.

Mi chiesi perché io avessi provato quella emozione e le persone che mi accompagnavano no. La risposta che mi diedi fu semplice: io avevo vissuto quella situazione. Condividevo un’esperienza con l’autore del dipinto, e lui era stato così bravo da riuscire a metterla su tela.

Mi piace pensare all’arte come un’esplorazione: ci si addentra in territori sconosciuti, si rischia di perdersi, si torna forse diversi. E se questo accade davvero — se l’arte ha toccato qualcosa di vivo — allora ha compiuto il suo scopo.

La domanda che pongo a me stesso, ogni volta che creo qualcosa, è questa:
“Quello che sto facendo mi sta cambiando?”

Se la risposta è no, mi fermo.
Se è sì — molto raramente — allora forse sto facendo qualcosa che vale davvero.

Due artisti, due visioni, un solo spazio

La mostra di Francesco Scianna e Giuliano Ottaviani alla galleria IL DUBBIO di Chioggia

Nel cuore di Chioggia, a pochi passi dalla Chiesa di San Martino, la galleria IL DUBBIO ospita una mostra che mette in dialogo due artisti apparentemente lontani per stile e linguaggio, ma uniti da una comune urgenza espressiva: Francesco Scianna e Giuliano Ottaviani.

Velocità e materia: il dialogo tra opposti

Da un lato, Francesco Scianna, pittore contemporaneo il cui immaginario affonda le radici nella visione futurista. La velocità, la tecnologia, le automobili e il movimento sono i suoi principali motori ispiratori. Nelle sue opere si percepisce l’eco di Boccioni e della poetica del dinamismo: tutto è energia in corsa, tutto è spinta in avanti. Il segno pittorico è veloce, tagliente, carico di tensione cinetica. I suoi lavori restituiscono il battito accelerato del presente, l’adrenalina della modernità.

Dall’altro, Giuliano Ottaviani, scultore che lavora con bronzo, pietra e legno, portando avanti una riflessione sulla forma, sul tempo e sulla memoria. Le sue opere hanno il passo lento della contemplazione. Sono simboli scolpiti, figure cariche di spiritualità, capaci di evocare l’eterno nel frammento. In lui si coglie una dimensione quasi sacra del fare artistico: l’artista come mediatore tra materia e significato, tra natura e uomo.

Una complementarietà fertile

La mostra costruisce un percorso visivo fatto di contrasti e risonanze. Scianna, con il suo universo futurista, proietta lo sguardo in avanti, verso ciò che verrà. Ottaviani, con le sue forme solide e radicate, richiama il passato e i valori eterni. Uno dipinge il motore che urla, l’altro scolpisce il silenzio che resta.

Eppure, nella differenza, emerge una complementarietà sorprendente: entrambi cercano l’essenza, entrambi usano il linguaggio dell’arte per raccontare ciò che non si può dire. La tensione verso il simbolico è comune, anche se declinata in forme opposte.

Il risultato è una mostra viva, dinamica, che alterna slanci e pause, materia e visione. Un viaggio tra le pulsazioni del presente e le radici profonde dell’identità umana.

Un invito a rallentare (o accelerare lo sguardo)

Chi entra nella galleria IL DUBBIO non trova una semplice esposizione di opere, ma viene coinvolto in un dialogo tra forze contrapposte, tra lo slancio e la resistenza, tra la corsa e la meditazione. In un’epoca in cui si corre senza sapere dove, questa mostra invita a riflettere sulla direzione del nostro sguardo e sul significato del nostro tempo.

IL DUBBIO ART GALLERY
Via Roma 1470, Chioggia (VE) – vicino alla Chiesa di San Martino

 Aperta per tutto il mese di luglio
 Orari di visita:
Mattino: 11:00 – 12:00
Sera: 20:00 – 22:00

Arte come dubbio, incontro, trasformazione. Ti aspettiamo.

Una panchina decorata a mosaico. Una vecchia porta scrostata con un colore che resiste. Un manifesto pubblicitario in cui le forme, per un attimo, sembrano dire qualcosa di più. Lì, in quel momento, l’arte ci sfiora. Non chiede attenzione, non pretende spiegazioni. Passa. Ma lascia una traccia.

Il bello è che non serve riconoscerla per sentirne l’effetto. Come una musica che arriva da una finestra aperta e ci ferma un attimo mentre camminiamo. Come un tramonto visto da un semaforo rosso. È in quell’istante che qualcosa si muove.

L’estetica non è un lusso. È una presenza silenziosa che cambia la qualità delle cose. Anche di quelle più comuni.

L’altro giorno una signora si è fermata davanti ad una vetrina. Non è entrata. Ha sorriso e ha detto a chi era con lei: “Quella cosa lì, non so perché, mi ha fatto bene.” Era una scultura. Era arte. Era vita.

Forse non sappiamo dare un nome a tutto ciò che ci tocca. Ma il nostro corpo, la nostra memoria, il nostro sentire riconoscono l’arte anche quando la mente non ha le parole.

Ed è proprio questo il suo potere più discreto. Passarci accanto senza farsi notare. Ma cambiando, dentro, qualcosa.